Con 26 años el joven director se embarca en un proyecto llamado en principio 1905, que pretende retratar la oleada de manifestaciones y protestas que inundaron la Unión Soviética en dicho año, saludadas a menudo como un preludio de la revolución de 1917. El rodaje empieza en Leningrado, pero el mal tiempo obliga al equipo a modificar el plan previsto y traladarse a Odessa. Y es allí, frente a la imponente visión de las escaleras, cuando Eisenstein decide cambiar el guión y focalizar su atención en los hechos acaecidos en esa ciudad portuaria y, especialmente, a bordo del acorazado Potemkin. Para ello emprende un minucioso trabajo de documentación, habla con supervivientes de la represión y se inspira en los dibujos realizados por un ciudadado francés testigo de los hechos.
Esta legendaria película estaba dedicada al 20º aniversario de la primera revolución rusa. Casi cien años después de su estreno es un ejemplo de cómo hay que hacer el montaje cinematográfico. A Eisenstein no le interesaban las escenas estáticas y una selección de imágenes bonita. Al innovador soviético no le gustaba la cámara inmóvil de principios del siglo XX y era el movimiento de imágenes lo que transmitía la dinámica de la vida real.
Su técnica se conoce como “montaje corto”, es decir, un cambio rápido de planos grandes y generales. La frecuencia de los fotogramas transmite el acelerado ambiente que se respiraba durante la revolución rusa y esto sumió a los espectadores en estado de shock. Acostumbrados a tomarse el cine como una distracción, en esta película el público se sintió como un indignado marinero que se topa con la crueldad e injusticia de las autoridades. Una de las escenas de más fuerza es la de la escalinata de Odessa; cuenta con 200 fotogramas y se convirtió en una poderosa metáfora del sufrimiento del pueblo.
Cada fotograma es el resultado de un minucioso trabajo y transmite el deseo del director de causar un efecto revolucionario en el espectador. El director soviético concibió su película como un “ataque psicológico” al público y los enormes planos perseguían un objetivo muy concreto: mostrar el dolor y el miedo de los partícipes en aquellos trágicos sucesos y los motivos del estallido de la revolución. Se trataba de algo novedoso en la historia del cine.
Francisco Carrasco
PRÓXIMAS SESIONES PRIMAVERA 2019:
* Viernes 17 de Mayo de 2019 (20:30): EL ACORAZADO POTEMKIN. (Todos los Públicos)
* Viernes 31 de Mayo de 2019 (20:30): ANATOMÍA DE UN ASESINATO. (+13)
* Viernes 14 de Junio de 2019 (20:30): DERSU UZALA. (Todos los Públicos)
* Viernes 21 de Junio de 2019 (20:30): MI PIE IZQUIERDO. (+15)
Anderson (Gene Hackman), y Ward (Willem Dafoe) son dos agentes del FBI con edades, orígenes y métodos muy diferentes que deberán enfrentarse a la cerrada mentalidad de los habitantes de una pequeña localidad del profundo sur estadounidense, en el esclarecimiento del asesinato de 3 activistas por los derechos civiles.
“Arde Mississippi” es una ficción que tiene lugar en los convulsos años 60, época en la que el gobierno de JFK se esforzaba por la aplicación efectiva de la ley en el respeto de los derechos civiles y, concretamente, en la eliminación de las medidas de segregación racial que afectaban a buena parte de los Estados Unidos.
Basada en hechos reales, Alan Parker (El Muro, El Corazón del Ángel) dirige esta cinta que fue estrenada con polémica, pero que recibió el beneplácito tanto de la crítica como del público, consiguiendo siete nominaciones a los premios de la academia.
Jesús Ruiz Párraga
PRÓXIMAS SESIONES PRIMAVERA 2019:
* Viernes 10 de Mayo de 2019 (20:30): ARDE MISSISSIPPI. (+18)
* Viernes 17 de Mayo de 2019 (20:30): EL ACORAZADO POTEMKIN. (Todos los Públicos)
* Viernes 31 de Mayo de 2019 (20:30): ANATOMÍA DE UN ASESINATO. (+13)
* Viernes 14 de Junio de 2019 (20:30): DERSU UZALA. (Todos los Públicos)
* Viernes 21 de Junio de 2019 (20:30): MI PIE IZQUIERDO. (+15)
Producida, escrita, dirigida y protagonizada por “El Rey de la Comedia”, Jerry Lewis, esta comedia, ligeramente basada en el Jekyll & Hyde de Robert L. Stevenson, nos cuenta la historia de Julius Kelp (Jerry Lewis), un no muy afortunado, en todos los sentidos, profesor universitario que está locamente enamorado de su alumna Stella Purdy (Stella Stevens), y que es continuamente humillado por algunos de sus alumnos.
Kelp decide someterse a un experimento por el que se transforma en el arrollador Buddy Love (Jerry Lewis) con el objeto de conquistar a su amada.
Clásica comedia de Jerry Lewis que, en esta ocasión, controla todos los aspectos de desarrollo del film, y en el que da una muestra de sus histriónicas dotes de interpretación a través de dos personajes opuestos física y moralmente.
No confundir con el remake protagonizado por Eddie Murphy en 1996.
Jesús Ruiz Párraga
PRÓXIMAS SESIONES INVIERNO 2019:
* Viernes 12 de Abril de 2019 (20:30): EL PROFESOR CHIFLADO. (Todos los Públicos)
Luz que agoniza se estrenó en 1944. Eran tiempos de cambio, las mujeres se empezaban a incorporar masivamente al trabajo y luchaban por conquistar su definitiva autonomía laboral y personal. Surge entonces la película que nos ocupa y que trata de los temores y las incertidumbres que acarreaba esa lucha, sobre todo en el terreno afectivo.
Paula, su protagonista, se enamora perdidamente de Gregory, un músico con el que decide casarse y volver a la casa familiar de la que huyó tras un terrible crimen que la traumatiza desde la infancia. Es entonces cuando comenzarán a manifestarse una serie de acontecimientos que la van sumiendo poco a poco en la locura.
Inquietante relato de suspense resuelto en una puesta en escena que combina la elegancia formal con un notable sentido para la creación de atmósferas opresivas, está basado en una obra teatral de Patrick Hamilton, ya llevada al cine en 1940 por Thorold Dickinson.
Es una película sobre lo impredecible del amor, pero también sobre el mal, que no es sino la indiferencia al dolor del otro.
Luz que agoniza es una obra maestra del suspense y del terror psicológico. Todo el film gira sobre la luz. La luz que tiembla y agoniza, signo de la debilidad de la razón, pero también de la pérdida del amor.
George Cukor había dirigido ya películas tan conocidas como Mujercitas (1933) e Historias de Filadelfia (1940), y sería el autor en el futuro de otras no menos célebres, como La costilla de Adán (1949) o My Fair Lady (1964). Considerado como uno de los más grandes exploradores del alma femenina que ha dado el cine norteamericano, procedía del mundo del teatro y sabía arrancar a sus intérpretes sus más delicados registros.
Para Luz que agoniza contó con tres actores excepcionales: Charles Boyer, en el papel de un seductor turbio y calculador, que le iba como anillo al dedo; Joseph Cotten, del que supo explotar su lado más cálido y perspicaz, e Ingrid Bergman, que obtendría el Oscar por su interpretación de Paula, la joven esposa víctima del engaño de un hombre sin escrúpulos.
Fotografiada formidablemente por Joseph Ruttenberg, en cuanto a la música, merece destacarse que dentro de la partitura original de Bronislau Kaper, se entremezcla en los momentos clave el «aria de la locura» de Lucía de Lamermoor de Donizetti.
Vista hoy sigue sorprendiendo su certera forma de plasmar la evolución de un desequilibrio emocional que se va transformando en locura y cómo el maltrato psicológico puede alienar a través de la confianza y el amor a la persona que lo ejerce. Un thriller que atrapa a través de sus personajes, con un buen ritmo en su trama cargada de sorpresas y elementos para mantenernos pegados a la silla.
Una cita con el cine clásico que no puedes perderte, además de nuestro debate posterior donde ahondaremos más en todos estos temas, curiosidades del rodaje y muchas cosas más.
David Montoro
PRÓXIMAS SESIONES INVIERNO 2019:
* Viernes 22 de Marzo de 2019 (20:30): LUZ QUE AGONIZA.
* Viernes 05 de Abril de 2019 (20:30): DESPERTARES. (+13)
* Viernes 12 de Abril de 2019 (20:30): EL PROFESOR CHIFLADO. (Todos los Públicos)
